The Black Square

CUADRADO NEGRO SOBRE FONDO BLANCO

Una de las obras mas controvertidas que más he defendido en mi larga historia como viejo maestro de pintura es el cuadrado negro sobre fondo blanco de Kazimir Malevich. Tanto es así que en mis clases la saco a relucir en cuanto tengo ocasión. Me parece una gran referencia para saber si tu sensibilidad está preparada para recibir la enseñanza de una de las partes  mas sensibles del lenguaje artístico.

El cuadrado negro sobre fondo blanco es la culminación de una de las exploraciones mas fascinantes que para mí tiene el mundo del arte y tal vez también el cuadro mas representativo del movimiento suprematista. El más trascendente, más austero, más lleno y el mas vacío al mismo tiempo. No en vano tiene cierto planteamiento de icono ruso. Un crítico de arte avispado e inspirado lo definió con bastante acierto diciendo que era como estar delante “del rostro del tiempo”

Características del Suprematismo

Después de corregir durante muchos años la composición y el peso del color de cada una de las obras de  alumnos, al final del día me quedaba mirando a la copia que hice hace bastante tiempo  y que tengo aún guardada en el taller. Tiene las mismas medidas que el original aunque no la misma huella del pincel y eso es importante. Pero es lo más cercano que tengo a la visión del cuadro auténtico.  Me sirve para descontaminarme visualmente, eliminar el ruido y volver al centro.  La composición mas perfecta que es posible plasmar en un lienzo. Es también la manera mas eficiente de rellenar un espacio con un color negro que es en si mismo la ausencia de todo color. Este cuadro es el principio y el fin. El regreso a la esencia.

BUSCANDO EL ABSOLUTO

Fue cuadrado porque el formato natural de un cuadro es geométrico, no es redondo. El espacio redondo es mas dulce, menos atemporal. El rectángulo ya tiene mas información superflua, puede ser largo o mas estrecho y eso tiene su expresión y complicaba la historia. No podía ser de otra manera que cuadrado porque era un dato mucho mas esencial. Tiene unas medidas humanistas precisas cual partenón griego. Está muy medido el tamaño del cerco blanco que rodea al cuadrado central y hasta incluso sus proporciones fueron pensadas para ciertos defectos visuales que tiene el ojo a la manera de percibir. Más grande resultaría grandilocuente o mas pequeño no conseguiría ese aspecto tan místico y tan concreto. Solo podía ser ruso, porque el suprematismo en su esencia tiene ese sentimiento solemne, totalitario e inexorable que solo los rusos saben imprimir en sus piezas.

Con este cuadro el suprematismo llegó a su culmen y a la vez a un callejón sin salida. No se puede ser más esencial dentro de sus parámetros. De hecho el mismo pintor al darse cuenta de esto abandonó la exploración y cambió su estilo por así decirlo.

Os dejo un enlace a la wiki por si acaso queréis echarle un vistazo a los orígenes de este movimiento.

https://es.wikipedia.org/wiki/Suprematismo

Hay bastantes cuadros dentro de la obra de Malevich que me interesan mucho como este en la que la inclinación del cuadrado rojo con respecto al negro y la colocación de los elementos que me parece sublime. Produce un equilibrio tenso en la superficie, una especie de concentración inteligente.

QUEJAS

Me voy a quejar un poco que hace tiempo que no lo hago y me noto un poco resentido. Me ha costado mucho defender a través de mis clases estas ideas que ya se suponen históricas en la pobre y decorativa visión del arte que tenemos la mayoría de mis paisanos en esta Murcia profunda, alejada de cualquier planteamiento trascendente y contagiada por un sentido consumista efectista y “maniestream” del arte. Lo convierten en decoración propia de nuevos ricos (sin demasiado dinero), hijos de nuestro tiempo de cambios climáticos y perdida profunda de valores. Hace poco vi a unos pintores criticar a Picasso por la red. Verdaderamente triste. Más cuando lo hacen colegas de profesión.

Eso lo puedo hacer yo o eso lo hace mi hijo pequeño se han convertido en frases recurrentes que si uno es lo suficientemente local te pueden caer encima.  Hasta incluso hay por ahí vídeos poniendo en ridículo al arte como ese que se hizo famoso colgando un cuadro hecho por niños en la feria de arco y el cuadro coló porque era lo suficientemente abierto como para ser parte de un discurso sensible. Una pena esa apología de la ignorancia que tenemos los ciudadanos medios con respecto al arte. No saben los pobres que la elección del objeto sensible es lo que hace al artista. Flaco favor a esas criaturas que siempre se les quedará en la cabeza la experiencia de cuando salieron por la tele.

Todo el mundo opinamos y tenemos derecho a que nos guste o no nos guste algo, es verdad.

Creo que cada vez me va a tocar más defender obras malditas a nivel popular como el urinario de Duchamp que abrió una puerta tan importante a la expresión del lenguaje del arte contemporáneo al descontextualizar el objeto y hacer parte de su lenguaje el cómo y donde lo exhibías.

 

Sospecho que si hago uno de mis micro-talleres sobre el suprematismo en esta Murcia con estos calores, me puedo ver solo con mi reproducción defectuosa del cuadrado negro preguntándome sobre el vacío existencial. Mejor vuelvo a mi catedral anacrónica de siglos pasados y a mi gusto por la Bauhaus en su sentido de cuadros ordenados alegres y un tanto decorativos y dejo estos menesteres para titanes verdaderos de la pintura que sospecho que solo se pueden dar en un lugar y en un momento de la historia.

DULCE VENGANZA

Pero me vengaré como los cobardes, en el ámbito de mi enseñanza. Jua, jua , jua…! Si vas a venir a trabajar conmigo y lo niegas en tus primeras clases verás como de manera imperceptible entrarás en el grupo de los proscritos. Sentirás miradas penetrantes en la nuca. Notarás como ciertos compañeros te retirarán el saludo y encontrarás tu obra de almanaque decorativo que dejaste la sesión anterior, manchada o agujereada.

No digo que me caigan mal la gente que no le guste o que no entienda estos aspectos del arte. No es eso.

Pero en el mas profundo rincón del taller, en la habitación de dentro,  justo detrás donde la gente guarda los trapos y los maletines de pintura, envueltos en bolsas de plástico negras, están los cadáveres apilados de alumnos con los pinceles en las manos agarrotadas por el rigor mortis. Esos mismos que en su día negaron de alguna manera el “Black Square”

En fin, que comentéis lo que queráis y que si os gusta este blog con estas entradas a veces un poco acido-crepusculares y mi visión sobre el arte os podéis suscribir dejando vuestro correo en la ventanita de la izquierda.

MURCIA FAUVE

GUERRA FAUVE

500 años de guerra han arrinconado al gremio de los pobres pintores de caballete hasta dejarnos aislados en este diminuto estudio del centro de la ciudad. La mayoría de los nuestros se han ido a la playa y volverán en otoño. Otros están desde sus lugares de veraneo pintando o conectados a las clases online.  Los pocos que quedamos  en la reserva hemos decidido recluirnos en nuestro pequeño taller de la Plaza Mayor, en una Murcia cada vez más encendida por el calor.

Nos hemos resguardado aquí, en este recóndito rincón, como último recurso ante la amenaza cada vez mas acuciante del arte contemporáneo. Este con sus malas artes ha incluido el espacio y el tiempo como materiales para expresar sus mensajes. Y contra eso no podemos competir. Por muy fauves que nos queramos poner.

ANALOGIAS ALEATORIAS

Me imagino que viene a ser algo parecido a como fue la radio cuando apareció la televisión. No la destruyó porque era un lenguaje diferente con sus propias reglas, pero la relegó a una minoría . De alguna manera no desaparecemos pero los pintores de caballete ocuparemos una parcela cada vez mas reducida, invadidos por nuevos lenguajes cada vez mas contemporáneos y virtuales. El pulso de nuestra época.  De todas formas podemos todavía dormir tranquilos, porque mientras existan paredes un cuadro tal vez será el formato más natural de convivir con una obra de arte. Todos estos hechos y algunos más, han acabado arrinconando  los últimos supervivientes del noble gremio de pintores de caballete. O por lo menos los que no nos hemos ido a la playa.

Y nos hemos recluido aquí, cual monasterio artístico en los tiempos del cambio climático y hemos llegado a una conclusión. Murcia es fauve en agosto.

Para conmemorar este hecho hemos decidido hacer cuadros con colores brillantes y puros que expresen toda esa energía de color que se siente alrededor.

El primer ejercicio de este mes es una interpretación un tanto fauve de la plaza de Belluga. La propuesta es usar solo colores puros y brillantes, lo mas primarios que podamos sobre una base de acrílico oscura. Está  grabado en vídeo y el proceso se puede ver en la plataforma de clases virtuales.

REFERENCIAS

Quizá uno de los pintores mas representativos de este movimiento que podemos tener como inspiración de estos ejercicios sea el gran Matisse. Os dejo aquí este enlace que hace un poco de historia sobre este tema.

https://miradorartes.blogspot.com/2011/05/fauvismo.html

Otro de mis pintores favoritos con un tratamiento fauve del color es el pintor colombiano afincado en nuestro país Willy Ramos del que os paso también el enlace al google para que veáis cosas:

https://www.google.es/search?q=willy+ramos&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwip2djT1fvjAhUKnxQKHeV_BJ4Q_AUIESgB&cshid=1565555929473568&biw=1280&bih=833

 

 

El gran Boli Bic

LA VUELTA DE LA LINEA

Todo va por modas que vuelven desde el pasado y se marchan otra vez con ánimo de retornar. El caso es que estamos volviendo a tocar el boli Bic.  Está ahora en nuestras clases a raíz de unos trabajos de M José, que ha vuelto a sacar a la palestra el tema. El ejercicio es muy goloso  porque es  inmediato, una manera fácil de practicar el dibujo o cierta construcción en el trazo.  Todos tenemos mas o menos cerca una cuartilla y un boli hasta incluso en el lugar de vacaciones.  Otra de las cosas buenas que tiene es que no se puede borrar y eso en cierta manera obliga a calcular mejor , a entrenar la sensibilidad. Una buena contraposición con los ejercicios de color y manchas que estamos haciendo este verano.

Hace un tiempo tocamos el tema del dibujo rotulador y de bolígrafo. La propuesta era sacar el cuadro a tonos, y conseguir un gesto orgánico en el trazo.  Una de las sensibilidades que mas me interesaba trabajar era la unidad del ambiente, la relación de unas partes con otras del motivo. Que el trazo fuera orgánico. En el vídeo procuro hacerlo todo con la misma linea, sin levantar mucho el rotulador del papel. En la época que lo grabé estaba preparando un curso con inspiración en la obra de Giacometti.

LOS  TRABAJOS DE DONS

Para facilitar que esto fuera así me pareció buena idea que partiéramos  de fotos borrosas previamente preparadas como este retrato de Mariló hecho por Sebastian Dons.

Dons nos dejó quizá los mejores ejercicios hechos en el taller de cada técnica que tuvo la oportunidad de probar, como este de bolígrafo, con el paisaje urbano y con un sentido muy construido del plano.

De todas maneras el proceso técnico de lo que encuentro en la red es bastante artesano porque se parte de una imagen dibujada y muy medida, a la que cuidadosamente se le añaden los tonos del bolígrafo. Mucha delicadeza, muy bien explicado pero personalmente en las clases lo que me interesa es que trabajemos en unas ejecuciones mas intuitivas, y que a lo sumo tengan de base un dibujo muy básico, apenas un esbozo de encaje, nada de cuadrículas o sistemas que no ayuden a que el cerebro calcule la proporción. Siempre he pensado que para entrenar cierta fluidez, es mejor si empiezas desde el conjunto hacia las partes, te obliga a calcular y a estar ahí desde el principio. El objetivo de estos talleres es sensibilizarnos a la construcción, al volumen, a la fuerza y dirección del trazo. Alejarnos en cierta manera de la representación técnica mecánica, que me parece mas inservible a la hora de enseñar el lenguaje de la pintura.

Subo otro ejercicio también hecho en ese sentido de Elvira Nuñez. El retrato de Enrrique también a rotulador!

BOLI EN LA RED

Quizá esta técnica demuestra que no importa tanto la pobreza del material ,si es llevado con la suficiente destreza y profundidad pueden convertirse en objetos artísticos. Uno de los autores que ha llevado esta técnica a un formato “museable” y que ha empleado unos tamaños y una presentación lo suficientemente coordinada para conseguir convertirlos en una exposición ha sido el artista Juan Francisco Casas del que os dejo este vídeo.

Me ha parecido fresco, ácido, tiene sentido en su caso el que haya usado esta técnica, por los temas que trata, casi cotidianos, con un punto de humor y formatos increibles.  Sus fotografías funcionan representadas con bic por ser unos temas jóvenes y desenfadados. En fin un artista que me ha gustado mucho y es uno de los pintores de referencia para el ejercicio de dibujo a bolígrafo.

 

Hay muchos mas pero quizá eran más artesanos, mas técnicos pero Juan Francisco casas me ha gustado especialmente porque a mi forma de ver, coincide la técnica con lo que quiere expresar, y lo hace a un nivel que traspasa el virtuosismo. Me ha encantado también como elije los encuadres, y el tipo de luz de flash, una especie de impresismo virtual que reflera en cierta forma la era “postinternet”. Por describirlo de alguna manera me ha gustado también  la acidez, el humor, la diversión, el sexo urbano de clase social acomodada y viajada,el mundo rápido de las redes de los selfies con flash de los motivos que elije.

En fin que preparar vuestros bolis y folios en blanco y a trabajarrrr!

 

GANADORES HOPPERWORLD

Que emoción!. Ha sido una experiencia fantástica, me han sorprendido mucho el espíritu de participación y la calidad de las obras de todos los artistas que se han presentado. Creo que con este concurso hemos aprendido todos un poco más sobre el mundo de nuestro admirado Hopper, sobre el silencio en la pintura y la metafísica.

Quería también dar las gracias en especial a Javier Cerezo de la galería Babel por servir de jurado en este pequeño-gran ejercicio de nuestras clases en el taller.  Todo un honor para nosotros.  Mi gran enhorabuena a los premiados, creo que no podéis haceros una idea sobre lo que ha supuesto para mi y creo que para todos, esta experiencia.

Y sin mas dilación, como en los grandes certámenes de alto postín, paso a comunicaros los cuadros premiados de menor a mayor:

El tercer premio ha sido para este pequeño cuadro de Carmen Lopez titulado “Resilencia” en acrílico sobre tabla 30x40cm.

 

El segundo premio ha sido para Ans van der Linden con este cuadro titulado “Overtocht. La travesía” en acrílico sobre tabla, y en el tamaño de 80 x 53 cm.

 

Y el primer premio, y ganador de este fabuloso concurso ha sido para Mª José Pujalte con “La silla de pensar” de 64x46cm  en acrílico sobre lienzo. Por gentileza de la autora, disfrutaremos unas semanas del cuadro colgado en el taller para que podáis verlo en directo.

Muchas gracias a todos por la participación y nos vemos en el taller en los próximos premios que estamos ya preparado!

LAS EUTÍMICAS

Doy por supuesto que un artista para la obra cuando nota que resume o que contiene una sensación que es importante para el.  “Las eutímicas” es el título de un cuadro que he puesto en la sección de obra disponible para la venta en esta misma página que iré actualizando. He decidido firmarla hace escasamente dos semanas después de muchas consideraciones y pequeños cambios.

EUTIMIA

Pertenece a la serie Apariciones Marianas. De hecho iba a ser titulado “Apariciones marianas II” pero en el tiempo que he estado pintándolo se cruzaron el el camino ciertas vivencias sobre la mirada eutímica y su relación con la espiritualidad. Decidí continuar el cuadro de esa nueva manera con una lectura mas simbolista y mas literaria que el primero. Está pintado con el color oro de Vallejo porque esta marca tiene un color oro atenuado, casi parece mezclado con plata, que no metaliza demasiado y le da una sensación menos brillante. En fin, que lo aleja de la ostentación que para mí es necesaria en este tipo de busqueda. Los retratos están trabajados ademád de con oro, también con violeta, porque desde hace unos años a esta parte, me interesa mucho el efecto de esta combinación de oro de Vallejo y violeta. Esto me gusta especialmente porque mi idea sobre ese tipo de trascendencia es discreta. Tuve especialmente interés en transmitir en el cuadro ese estado espiritual del que no ansia nada ni está sujeto a ninguna acción o miedo. Bajo la secreta intuición de que después de desproveer al cuerpo de toda ansiedad y anhelo, aparece la mirada del alma. 

El primer cuadro de “Apariciones Marianas” tiene ya 12 años y está basado en la imagen de Santa Gema Galgani. Lo tiene un coleccionista particular y tiene unas dimensiones mucho mas pequeñas. Muchos de los cuadros que hago son experimentos, intentando encontrar el sentido a ciertas sensaciones. Son como puertas dimensionales (como en cierta forma son todos los buenos cuadros o todas las buenas obras de arte) . Ventanas al mundo (como me dijo una vez uno de mis grandes maestros, Anil Das Gupta).  Un punto de vista sobre la realidad.

Hace ya muchos años que también me interesa el concepto de cambio dimensional. Lugares o maneras de eliminar o modificar la sensación de tiempo en un cuadro. Una de las soluciones que trajo el futurismo fue la de representar el movimiento. Pintar varios momentos en una misma obra.  Una de las formas de investigar esa sensación de superposición además de en esta misma serie fue en el cuadro “Obsesión” que pongo aquí abajo. Después he seguido trabajando cosas como el desdoblamiento, la dualidad o la superposición intentando encontrar el objeto que sea como la clave para sentir ese efecto tan particular.

EL GRAN ANTONIO LOPEZ

Estos cuadros y algunos otros mas están también inspirados en otro pintor que siempre ha sido uno de mis grandes referentes. Creo que mi pintura es diferente, no tengo un sentido de la trascendencia tan apegado a la realidad, pero en parte tiene también una intención de “metafísica cotidiana”. Tuve la suerte de conocerlo y tenerlo como maestro en uno de sus cursos intensivos cuando vino aquí a Murcia y me pareció un lujo. Vi a alguien apasionado con lo que hacía y totalmente etregado a nosotros como alumnos. Me interesaba especialmente su representación de la realidad como “estados plásticos superpuestos”, sin principio ni fin. Ha sido uno de sus cuadros que me resultó emblemático y fuente de inspiración para mi obra.Fragmento de “María” de Antonio Lopez.

Aunque mi obra no tiene el mismo sentido pero me inspiraron sus pequeñas correcciones que no disimulaba en el resultado final. Esas pequeñas heridas que dejaban a la vista el largo proceso de su lucha con la medida la pintura, esa intensa metafísica y profundidad de lo cotidiano que he encontrado en grandes autores y que tanto me ha inspirado en mi propio quehacer. Convierte su titubeo constante en un estilo en si mismo. Una insólita ocasión que le da a la pintura hiperealista un valor que en la mayoría de los autores de este tipo no existe.

 

 

 

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